Chaque Binôme obéit à un protocole très défini. Il est rappelé en préambule à chaque représentation : après une rencontre unique de 50 mn avec un scientifique, un auteur de théâtre écrit une pièce de 30 mn pour trois comédiens. La création est mise en lecture par la compagnie Les sens des mots, accompagnée d’une création musicale originale. Sur la scène de l’auditorium du Carreau du Temple, le spectateur assiste d’abord à une projection du film de la rencontre entre le chercheur et l’artiste, puis à la mise en lecture, enfin à la réaction filmée du chercheur. La confrontation des deux univers est féconde et donne souvent à rire, le texte qui en résulte traduit avec poésie et humour l’objet de la recherche, nous conduisant par le sensible à des problématiques qui nous échappent.

Sciences dures ? Sciences molles ? Au début de l’aventure Le Sens des mots, Thibault Rossigneux se projetait naturellement vers les sciences fondamentales. Puis des sollicitations de chercheurs l’on conduit vers d’autres champs. Les recherches de l’ethnobiologiste Edmond Dounias à l’IRD (Institut de Recherche pour le Développement), confrontées au regard de l’auteur Gérard Watkins, ont donné en 2011 la pièce À condition d’avoir une table de jardin. Le metteur en scène a dès lors élargi le concept binôme aux sciences « molles ». Plusieurs projets vont d’ailleurs dans cette direction.

The post « Binôme, le poète et le savant » : rencontres appeared first on NAJA Presse.

J’aurais dû être au Carillon ce soir-là.

« Aléluia, c’était pour dire au-revoit aux personnes disparues. Heroes était dédiée aux survivants, à l’avenir ». 13 novembre 2015, la date le hante encore. « Ce jour-là je reçois un coup de fil d’un ami me proposant d’aller dîner au Carillon, nous sommes des habitués du lieu, j’habite juste à côté boulevard de Charonne, mais j’étais parti en weekend à Vienne avec ma copine pour son anniversaire. Du coup mon ami m’a dit, si vous n’êtes pas là, je n’irai pas non plus. Ce soir-là, j’aurais dû être là-bas. » Deux ans plus tard, Thomas se considère comme un miraculé. « Quand ont est rentré à Paris, Le monde s’est mis à publier tous les jours les portraits des victimes et je me suis dit, putain, imagine qu’il y ait marqué dans le journal « Thomas Zaruba, 34 ans, patron dans la publicité digitale », Je trouvais que c’était pas juste, si je meurs demain je veux que dans le journal il y ait marqué que je suis pianiste ».

Mourir pianiste.

Le piano n’est pas une lubie sortie de nulle part. Au CM1, Thomas était inscrit dans une classe musique-étude, et dit-il, « j’ai toujours joué du piano comme d’autres jouent au tennis. Je me disais, la musique c’est trop dur, c’est pas un métier ». Suivront alors des études dans une école de commerce à Rouen, des emplois chez Société générale à New-York, chez L’Oréal, chez Unilever, chez Bureau Veritas : « tu as bossé pour 10% des entreprises du CAC 40 plaisantent parfois mes amis ».  Mais c’est fini « Je me suis dit tout ça n’a pas de sens, la vie ne tient qu’à un fil,  c’est pas la peine d’attendre je ne sais pas quand ou quoi pour faire des projets que tu as dans ta tête ou dans ton cœur. Si je meurs, je meurs pianiste et je vais laisser des notes de musique enregistrées avec un disque derrière moi ».

Rentrer dans la musique comme un enfant qui apprend à marcher.

Après avoir tâtonné, trébuché, « être rentré dans la musique comme un enfant qui marche à quatre pattes, se casse la figure, se relève et recommence », après avoir fait quelques essais à Paris, c’est à Prague d’où est originaire sa famille, que Thomas enregistrera « Slow down », dans des studios qui ont accueilli David Bowie, avec pour piano, un Stenway de 1907 refait à neuf, « avec une sonorité incroyable, une âme profonde ». Les morceaux de l’album sont marqués par les événements du 13 novembre, des titres qui évoquent la nuit, une musique empreinte de jazz que son auteur veut « méditative, aérée ». L’album, 8 titres, sortira en novembre 2016. D’abord commercialisé via Bandcamp, une plateforme sur laquelle on achète leurs œuvres musicales sous forme digitale directement aux artistes, il sera ensuite édité sur CD puis, pressé sur un vinyle transparent bleu. A ce jour, 8000 exemplaires vendus, pas de quoi décrocher un disque d’or ou un NRJ Music Award, mais une histoire qui a touché les cœurs.

Pour tout les adhérents de Life for Paris.

Thomas prendra contact avec Life for Paris, l’association des victimes des attentats du 13 novembre, proposant d’offrir l’album à tous les membres. Et c’est ce qui lui a naturellement valu de se retrouver ce 13 novembre 2017 sur la place Léon Blum. « Quand ils voient des gyrophares, entendent des sirènes de police, certains sont pris d’une crise d’angoisse. Je reçois des messages pour me dire, il y avait des flics partout, je ne sais pas ce qui se passait, j’ai écoute ton album et ça y est, je suis redescendu en pression ». Aujourd’hui Thomas travaille sur un tout autre projet. Un autre album de pianiste soliste, des reprises de standards de chansons qui ont fait le tour du monde et traversé les époques, qui font du lien entre les humains et les générations.

The post Le piano pour résilience appeared first on NAJA Presse.

Cet été, alors que se déroulait un festival très politique, la Collection Lambert en Avignon lui a fait les honneurs du bel Hôtel de Caumont, jusqu’au 6 novembre. Marquante, la vision d’une petite fille nue criant sa peur et sa douleur. Savamment composée de morceaux d’ivoire, la sculpture Cri (2012) a fait resurgir grandeur nature la célèbre photographie noir et blanc de La jeune fille brûlée au napalm (1972), devenue le symbole de la guerre du Vietnam. Plus loin, avec le même procédé, celle aussi célèbre de L’enfant du ghetto de Varsovie (1943) est devenue pour l’artiste Mon enfant (2014). Ces interprétations, si gracieuses soient-elles, nous mettent face aux traumatismes de la guerre. Le parcours s’achève avec un Crucifix émergeant magnifiquement d’un magma de barbelés. Tout dans son œuvre semble avoir touché Adel Abdessemed personnellement, profondément. Et nous touche à notre tour.

The post Collection Lambert Avignon : les cris d’Adel Abdessemed appeared first on NAJA Presse.

Créé et dirigé depuis deux décennies par Apolline Quintrand, le « festival de danse et des arts multiples » fait rayonner toutes les disciplines autour de la danse. Un objectif que son successeur n’a pas l’intention d’abandonner. « La danse doit garder une place centrale. Elle a tout son sens à Marseille, ville elle-même multiculturelle, multilingue aussi. Je la vois comme une unité entre Marseillais, avec le corps, le mouvement, le geste ». Alors que beaucoup de grands chorégraphes travaillent à des productions multidisciplinaires, Jan Goossens a voulu intégrer la musique, le théâtre musical, mais aussi le cinéma et des installations plastiques, au programme du festival.

« Cela me paraît important qu’à l’intérieur d’une grande ville la dimension éclectique du festival soit claire et visible. Tout en étant dans la continuité, il y a beaucoup de nouveaux noms, Peter Sellars, Alain Platel, Brett Bailey d’Afrique du Sud, Jérôme Bel rarement passé à Marseille… ». Ces grands créateurs que fait venir Jan Goossens ont la réputation de bouleverser les lignes, susciter l’interrogation. Le nouveau directeur les connaît bien et il veut faire découvrir aux Marseillais leurs univers et leurs esthétiques. « Les artistes qui me passionnent créent des esthétiques singulières et fortes tout en ayant un lien clair avec leur ville, avec leur société. Ils ont leur mot à dire, leur contribution à faire au vivre ensemble dans l’avenir. Présenter à Marseille des artistes qui ont cette vision, cet engagement, qui viennent d’un peu partout alors qu’une grande partie du monde vit déjà à Marseille, ce lien entre un contexte local et une mise en réseau internationale me passionne et j’espère que le public marseillais sera présent pour en profiter ».

Dans sa décision de quitter Bruxelles, il n’y a aucune amertume, ni découragement, bien au contraire. « Travailler dans un autre pays, la France que je connais bien et dont je me sens culturellement très proche, à l’intérieur d’une ville qui me parle, qui a des affinités avec Bruxelles et en même temps de nombreuses différences. L’idée aussi de reprendre un festival plutôt qu’une maison me plaisait. Le festival est un bel outil, avec une belle équipe, un vrai budget, une base artistique solide. Il a en même temps la volonté d’évoluer, de se développer. C’est un défi m’a parlé tout de suite. »

The post Jan Goossens, un Belge au Festival de Marseille appeared first on NAJA Presse.

Concurrencée par la gare centrale, la HauptBahnhof voisine de quelques centaines de mètres, la Hamburger Bahnhof a préféré quitter le camp des cheminots pour œuvrer avec l’art dans le quartier de Moabit.

Aujourd’hui la Hamburger Bahnhof ne craint plus la concurrence des autres gares. Elle est dédiée à d’autres voyages, ceux de l’imaginaire. Une mission qu’elle prend assez au sérieux pour lui offrir l’ensemble de ses nombreux bâtiments. De fait, la gare accueille à la fois l’exposition permanente d’un fonds contemporain conséquent, et dispose encore d’assez de surfaces pour s’autoriser simultanément différentes expositions temporaires.

De couloirs en anciennes salles de réception et de restauration, de salles des guichets en bureaux, la Hamburger Bahnhof a l’ambition d’être un centre d’art contemporain qui compte en Europe. Elle réunit ainsi Andy Warhol, Josef Breuys, Cy Twobly, Anselm Kiefer, Roy Lichtenstein, Friedrich Christian Flick, et ouvre sa porte aux jeunes créateurs comme le californien Matthew Barney qui propose une vidéo des plus surprenantes.

The post Hamburger Bahnhof la gare de l’art contemporain appeared first on NAJA Presse.

Absence de l’être aimé. 

L’oeuvre de 4 min 30 a été offert par l’artiste en 2012 au musée des arts contemporains (MAC’s) du Grand-Hornu, situé dans la province belge du Borinage, à quelques kilomètres de Mons. Elle est visible jusqu’au 24 mai 2015 au Centre Wallonie-Bruxelles de Paris, dans le cadre de l’exposition Mon jardin est dans tes yeux, corpus sélectionné par Laurent Busine, directeur du MAC’s, parmi les 350 œuvres de la collection du musée. Le commissaire confie ne pas savoir pourquoi cette vidéo en particulier, ainsi que les autres créations présentées «sont rentrées dans [s]a mémoire», si ce n’est parce qu’  «elles y résonnent de curieuse manière et façonnent avec une certaine intensité une part de [s]a vie». «C’est bien là le rôle des musées: rassembler et montrer des oeuvres qui ne leur appartiennent pas, et qui entre et brillent dans les yeux de ceux et celles qui les regardent. »

Loin du territoire belge, Nicolas Gruppo, 45 ans, vit à Avignon où il enseigne le cinéma et la vidéo à l’Ecole Supérieur des Arts. Dès ses premières expositions en 1998, sa production est chargée de références cinématographiques et d’une obsession plastique envers la femme fatale. Amputé de plusieurs membres, l’artiste traite quasi invariablement de « l’absence de l’être aimé » à travers un ensemble de scènes inachevées, rassemblées notamment dans Discours d’un amoureux fragmenté. Au fil de ses réalisations, Nicolas Gruppo construit sa narration en usant du dessin, d’installations, de performances, de vidéos ou de musique, en mettant souvent à l’épreuve son propre corps.  Enfermé pendant plusieurs heures dans une vitrine de la galerie Les Grands Terrains à Marseille, il réalise en 2012 Freaks on the rocks. Habillé d’un simple short, mettant à nu son handicap terrible, il fait mine donner un concert de guitare, tandis que défile derrière lui Freaks de Tod Browning. 

The post De l’amour à la peine appeared first on NAJA Presse.

Quatre mains.

Sa composition- sorte de collage numérique- réalisée, il entreprend de la retranscrire par dessin, avec un réalisme bluffant. A l’exception d’une partie. Ou plutôt d’un personnage, dont la silhouette reste blanche. Ce morceau de choix est envoyé à son fidèle ami Bill, constructeur dans le bâtiment et pas illustrateur pour deux sous.  A la clé, des dessins à quatre mains et une difformité quasi alchimique entre plusieurs univers: celui d’une nature minérale et photographique, d’une intimité à la fois provocatrice et désexualisée et celui de la maladresse enfantine. 

 « Ce qui n’est pas juste, c’est que je peux mettre huit mois sur un dessin, tandis que lui fait sa partie en une heure. Mais le résultat fonctionne toujours, à la fois étrange et drôle. Je crois que c’est parce que Bill essaie vraiment de recopier l’image que je lui envoie, sans surjouer. » 

Au fur et à mesure de ce partenariat à quatre mains, la technique progresse. Du simple crayon, Colin Cook passe à la poudre de graphite et au pinceau, à l’éponge. « Encore aujourd’hui, je ne sais pas ce qu’il va m’envoyer, assure-t-il. Je suis toujours surpris que cela  fonctionne. Il y a à la fois un mélange d’attirance et de répulsion, de bizarre et d’intime, dans ces dessins. Si cette émotion marche sur moi, j’imagine que ça marche sur d’autres ». 

The post Drôle de bonhomme appeared first on NAJA Presse.

L’idée est venue d’Alice Vivier. A tout juste 22 ans, étudiante à la Sorbonne, elle prend les rennes de sa première salle : la première version de La Loge, dans le 9e arrondissement. Le concept: un théâtre-concert privé, dédié uniquement aux premières scènes, endossant le rôle de tremplin. « Nous ne sommes pas seulement des diffuseurs, nous nous chargeons d’accompagner les artistes dans une dynamique de professionnalisation », explique d’emblée Lucas Bonnifait, comédien et co-directeur. En clair, lorsque la Loge choisit de programmer un artiste, elle lui offre également une salle de répétition, une aide à la promotion, à la recherche de partenariats et des conseils artistiques. Cerise sur le gâteau, la salle partage à 50/50 les recettes de la billetterie avec les artistes. « Cet engagement tient du politique« , insiste Lucas Bonnifait. «  Lorsque l’on sort de l’école ou que l’on démarre une compagnie, les difficultés sont surtout financières. La majorité des salles privées font payer des locations aux artistes pour jouer. On ne trouvait pas ça normal que des artistes perdent de l’argent pour travailler »

Intello ringard

Rapidement, le lieu marche, le réseau se crée autour d’eux. « L’idée d’associer la musique et le théâtre découle au final de nos goûts et intérêts personnels », continue le trentenaire. En plus de la Loge, Alice vivier s’occupe de la programmation musicale des Trois Baudets à Pigalle. « Cela permet de mélanger les publics et les dynamiques, de sortir de cette image d’intello ringard qu’a parfois le théâtre ». En 2009, il est temps de s’agrandir. Désormais située rue de Charonne, dans le 11e, la salle accueille une soixantaine de compagnies par an, propose deux spectacles chaque soir. Christine and The Queens, Feu Chatterton, ou encore Fauve ont fait leurs armes dans cette salle noire de 80 places. Côté théâtre, des partenariats se nouent avec le théâtre de Vanves ou le festival Impatience du Cent-Quatre.

Money worries

La petite structure privée revendique sa liberté de programmation. « On accueille 80% de création, s’enthousiasme Lucas Bonnifait. Mais on est pas obligé d’être bon. Le but est de laisser une première possibilité de montrer son travail, tant pis s’il y a des ratés ».

Mais tout n’est pas si rose. La structure ne reçoit que 20 000 euros de la part de la Ville de Paris. Le reste provient à 75% des recettes de la billetterie (entre 5 et 16 € l’entrée) et d’accueil d’événements. Pas assez pour soutenir les huit employés, les frais de fonctionnement et de communication. En début d’année 2015, la Loge a lancé un appel aux dons, après le rejet de sa candidature au dispositif « Permanence artistique et culturelle » de la région Ile de France. Son budget annuel, déficitaire de 40 000 euros, laissait entrevoir une fermeture définitive. Suite à cet électro-choc, assez bien relayé, le Théâtre de l’Odéon, Mains d’oeuvres, les réseaux MAP et Actes-If leur apportent un soutien. La campagne de dons, lancée sur Helloasso, leur permet de continuer leur programmation, au moins pour une année. Fin mars, ils recueillaient déjà 13 000 euros. Pour éviter à nouveau les mauvaises surprises, la structure souhaite davantage se tourner vers le financement public. « Avec notre action, notre image, les pouvoirs publics ont tout intérêt à nous aider. S’ils ne le font pas, c’est qu’il y a un problème quelque part », estime Lucas Bonnifait. Des discussions sont en cours avec plusieurs structures publiques de tutelle.

The post Place aux jeunes appeared first on NAJA Presse.

The post Les dentelles inventées de Sandrine Pincemaille appeared first on NAJA Presse.

Célia Gras, qui connaît Clément depuis leur enfance passée près de Reims, travaille elle pour la galerie parisienne LWS, dont le directeur Victor Mendès est très attaché à la diffusion de l’œuvre sur papier et au soutien de jeunes artistes. Pour sa seconde participation au Salon DDessin, la galerie LWS a confié à Célia Gras le commissariat de son exposition. Klemt est l’un des quatre artistes présentés, et c’est l’un de ses dessins, You know I was hopeful, que la galerie soumet au comité de sélection en vue du Prix 2015 du salon… que Klemt a remporté. A l’aube de sa vie d’artiste, le lauréat s’est vu offrir un mois de résidence à la galerie Delacroix de Tanger en février 2016, une aventure rendue possible grâce au partenariat qu’Eve de Medeiros, la créatrice de DDessin, a noué avec l’Institut français de Tanger.

Un geste de graveur

Ce sont les images qui lui viennent à l’esprit ou à la mémoire que Clément Tissier s’empresse d’esquisser sur un morceau de papier ou dans un carnet pour ne pas oublier. Sans chercher à les interpréter, il laisse ces visions s’imposer à lui, emplir sa conscience. Alors s’enclenche un processus, toujours le même : « à la plume, à l’encre de Chine, à la mine de plomb, je m’attelle à maintenir l’impériosité de cette vision, à prolonger l’émotion dans laquelle elle me plonge. C’est dans cet état, et uniquement, que je dessine ». Klemt a tenté une ou deux fois de reprendre un dessin, mais l’émotion avait disparu, impossible à retrouver.

Cela fait deux ans maintenant qu’il se consacre à ses dessins, inlassablement et avec une belle virtuosité. Ses traits, soigneusement alignés, croisés, s’inspirent de ceux de la gravure pour une mise en page simple et efficace. « Mon geste est de plus en plus sûr, mes traits plus vite guidés vers ce que je veux ». Après avoir composé une galerie de portraits énigmatiques, Hommes-Maisons, Têtes rondes, ses derniers travaux font apparaître des rêveries aux paysages inversés, forêts en suspension, où l’homme est réduit à la dimension d’une petite silhouette gracile, perdue dans une immensité blanche et incertaine.

The post Klemt, révélation 2015 appeared first on NAJA Presse.